When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors. and tried to piece together any memory of his life.
One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed…naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat’s illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.
Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, ha was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang. He took Pat to all the city’s hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”
He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.
Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.
Martino became actively involved with the , early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.
Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man’s jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino’s rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz’s first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn’t record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I’m extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”

Biography courtesy of DL Media
A Brief Resume

Pat began playing professionally in 1961. He has performed with a wide variety of artists including Sonny Stitt, Gene Ammons, Richard Groove Holmes, John Handy, Bobby Hutcherson, Chick Corea, Jack McDuff, Don Patterson, Stanley Clark, Eric Kloss, Trudy Pitts, Willis Jackson, Lloyd Price, Woody Herman, Chuck Israels, Charles Earland, Barry Miles and Joe Pesci. Since 1967, Pat has been touring as a leader.

He has been a Recording Artist for Vanguard, Prestige, Warner Brothers, Muse, Columbia, King, Paddlewheel, Evidence, Sony, 32 Jazz, High Note, Milestone, Polydor, Concord, Fantasy, House of Blues, Mythos, Mainstream, Cobblestone, Atlantic and, most currently, Blue Note Records.

Pat has given Guitar and Music Therapy Seminars, Clinics and Master Classes throughout the world, at locations including North Texas State University, G.I.T., Berklee College (Boston and Perugia, Italy), Duquesne University, Teatro Rasi (Ravenna, Italy), LeCentre Culturel (D’Athis Mons, France), University of Washington School of Music, Skidmore College, Musicians Institute, National Guitar Workshop, New York University, Pennsylvania University, Stanford University, The University of Missouri, Roosevelt University (Chicago), Patti Summers Jazz Club (Seattle), Music Tech College (St. Paul), The New School (New York City), Southern Illinois University, The Conservatory of Amsterdam (The Netherlands), Cork Festival (Cork, Ireland), Washington University (St. Louis, MO), Wisconsin Conservatory of Music, Musictech College (St. Paul, MN), Nordoff-Robbins Center for Music Therapy at NYU (New York, NY), Greater Hartford Academy of the Arts (Hartford, CT), and the University of Maryland.

Pat is currently on the adjunct faculty at the University of the Arts in Philadelphia, PA.

Since the mid 1990s, Pat has received the following awards:
1995 Mellon Jazz Festival / Dedicated in Honor
1996 Philadelphia Alliance “Walk of Fame Award”
1997 National Academy of Recording Arts & Sciences “Songs from the Heart Award”
2002 Grammy nominations for Best Jazz Instrumental Album, “Live at Yoshi’s”, and Best Jazz Instrumental Solo on ‘All Blues’
2002 National Academy of Recording Arts & Sciences “2nd Annual Heroes Award”
2003 Grammy nominations for Best Jazz Instrumental Album, “Think Tank”, and best Jazz Instrumental Solo on ‘Africa’.
2004 Guitar Player of the Year, Downbeat Magazine’s 2004 Reader’s Poll

Last Update :: 29 January 2005

Jean « Django » Reinhardt (Liberchies, le 23 janvier 1910 – Samois-sur-Seine, le 16 mai 1953) est un guitariste de jazz manouche, issu d’une famille tzigane. Il reste aujourd’hui encore l’un des guitaristes les plus respectés et influents de l’histoire du jazz.

Une jeunesse en roulotte :

Django Reinhardt naît le 23 janvier 1910 dans une roulotte stationnant à Liberchies, en Belgique, où il est déclaré « fils de Jean-Baptiste Reinhardt et de Laurence Reinhardt ». Ce lieu de naissance n’a pas grande signification, car l’enfant fait partie d’une famille de Tziganes nomades habitués à traverser l’Europe de part en part. Il passe donc sa jeunesse à voyager (en France, Italie ou Algérie), avant que sa famille se fixe finalement à Paris, d’abord sur les Fortif’, La Zone mal famée jouxtant la Porte de Choisy, puis à la Porte d’Italie.

La rencontre avec le banjo de son oncle à l’âge de 10 ans est décisive. Fasciné par l’instrument, le jeune Django n’a dès lors de cesse de s’écorcher les doigts sur ses cordes oxydées. Il fait son apprentissage en observant avec attention les musiciens de passage au campement, et acquiert bientôt une dextérité hors du commun. Il se mettra ensuite, avec le même bonheur, au violon et finalement à la guitare.

À l’âge de 13 ans, il court déjà le cachet dans les bars et bals de Paris, ainsi que dans les demeures des gens aisés, tout en continuant de jouer surtout pour son propre plaisir. La réputation du jeune virtuose se répand chez les amateurs de musique et en 1928, le producteur Jean Vaissade permet à Django d’enregistrer son premier disque. L’adolescent ne sachant ni lire ni écrire, même pas son propre nom, les étiquettes portent la mention « Jiango Renard, banjoiste ».

Un destin capricieux :

La même année, le chef d’orchestre Jack Hylton (Jack Hylton & His Orchestra), impressionné par la virtuosité de Django, lui propose de l’engager dans sa formation de musique populaire, qui doit partir se produire à Londres. Mais le destin contredit ce projet: juste avant le départ du groupe, le 2 novembre 1928, un incendie se déclare dans la roulotte où le musicien vit en compagnie de sa première femme, Bella Baumgartner. Les fleurs en celluloïde — matière très inflammable — que celle-ci vend s’enflamment au contact d’une bougie renversée, détruisant la caravane et blessant assez gravement ses deux occupants. Django surtout est sérieusement atteint à la jambe droite et à la main gauche. Celle-ci cicatrisant très difficilement, il reste près de 18 mois à l’hôpital, où les médecins prédisent qu’il ne pourra plus jamais rejouer de musique. On doit finalement brûler sa main au nitrate d’argent pour provoquer la cicatrisation. Django a perdu l’usage de deux doigts, mais s’obstine néanmoins, et après 6 mois de travail sans relâche il développe une technique nouvelle sur la guitare que son frère Jospeh, alias « Nin-Nin », lui a apportée en guise d’outil de rééducation.

Au printemps 1930, alors que Django est toujours soigné à l’hôpital Saint-Louis, une commission de contrôle militaire vient juger sur place de son état de santé : le musicien, âgé de 20 ans et devant donc accomplir son service militaire, n’a répondu depuis 2 ans à aucune convocation. Mais ses blessures lui permettent d’être rapidement exempté.

Le Hot Club de France – Gloire dans un monde en guerre :

À sa sortie d’hôpital en 1930, Django Reinhardt a développé une toute nouvelle technique guitaristique, d’autant plus exceptionnelle qu’elle n’emploie que deux doigts de la main gauche, plus le pouce. Il découvre qu’entre-temps, la guitare a gagné sa place au sein des orchestres de jazz, cette nouvelle musique venue des États-Unis. Les premiers contacts de Django avec la musique de Duke Ellington, Joe Venuti, Eddie Lang ou Louis Armstrong sont un grand choc, et le jeune guitariste décide de consacrer son existence à la pratique du jazz.

En 1931, il rencontre le violoniste Stéphane Grappelli, avec qui il fonde Le Quintette du Hot Club de France. Le groupe comprend également le frère de Django, Joseph, alias « Nin-Nin », ainsi que Roger Chaput à la guitare et Louis Vola à la contrebasse. Les cinq musiciens inventent une musique innovante, entre jazz et musique tzigane, qui remporte un grand succès. Les années suivantes, ils enregistrent de nombreux disques et jouent dans toute l’Europe aux côtés des plus grands musiciens de l’époque, tels que Coleman Hawkins, Benny Carter ou Rex Stewart. Ces derniers tentent à plusieurs reprises de prendre en défaut la technique instrumentale et les connaissances musicales de Django dans des défis musicaux, tels qu’il s’en pratiquait fréquemment à l’époque, mais le guitariste gagne leur respect en se révélant, malgré son incapacité à lire la musique et son apprentissage quasiment autodidacte, d’une maîtrise à toute épreuve.

Au contact des musiciens américains, Django se familiarise avec une nouvelle musique dont l’influence s’étend dans le milieu du jazz : le be-bop. Il sera sans conteste l’un des premiers musiciens européens à avoir apprécié et compris la musique inventée par des jazzmen tels que Charlie Parker ou Dizzy Gillespie. Il intègre à ses compositions de nombreuses trouvailles du mouvement, tout en restant toujours fidèle à ses propres conceptions musicales.

Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate en 1939, le quintette est en tournée en Angleterre. Tandis que Stéphane Grappelli choisit d’y rester, Django retourne en France, à Toulon, où il est mobilisable dans la Flotte mais est à nouveau réformé à cause de ses brûlures. Il passe la guerre en Zone Libre, voyageant sans cesse de Cannes à Toulon, et parvenant ainsi à survivre au génocide des Tziganes, systématiquement envoyés en camps de concentration par les Nazis. Il épouse même en 1943 Sophie Ziegler, sa seconde femme, dont il aura l’année suivante un fils, Babik Reinhardt, qui deviendra à son tour un grand guitariste. À la libération, il retrouve Grappelli avec lequel il improvise sur une Marseillaise qui restera célèbre.

La déception américaine :

Après la guerre, le Hot Club de France reprend enregistrements et tournées. En 1946, une tournée aux États-Unis donne enfin à Django l’occasion de jouer dans le groupe de Duke Ellington. Les deux musiciens s’étaient rencontrés en 1939 et désiraient depuis lors jouer ensemble, mais cette association n’est pas celle dont Django avait rêvé. Ne parlant pas anglais, habitué à la liberté de sa vie nomade, Django peine à s’habituer à la discipline très stricte des Big Bands. Ces difficultés, alliées au fait qu’Ellington n’avait pas réellement intégré le guitariste à ses arrangements, le faisant toujours intervenir en fin de représentation, faisait de Django une sorte d’attraction et non le concertiste qu’il espérait être durant cette tournée.

Cependant son passage fit toujours sensation. La tournée a emmené le groupe à travers tous les États-Unis (même au Canada) et la présence de Django était évidemment exceptionnelle pour les amateurs : c’était après-tout la seule vedette de jazz (avec Grappelli) non-américaine.

En arrivant à New York, Django chercha à rencontrer Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, sans résultat, ces derniers étant alors chacun en tournée.

Il gardera de cet épisode une certaine amertume, et s’éloigne peu à peu de la guitare, se consacrant de plus en plus à ses autres passions, la peinture, la pêche et le billard. Cela ne l’empêche pas de récréer à plusieurs occasions sur disque le prestigieux Quintette avec Stéphane Grappelli. Les résultats sont fantastiques de maîtrise et de singularité.

Le renouveau be-bop :

En 1951, il achète une maison et s’installe à Samois-sur-Seine en Seine-et-Marne, près de Fontainebleau. À ce moment commence pour lui un véritable renouveau : l’inspiration revient, son jeu est plus inspiré que jamais et il joue régulièrement avec un orchestre composé des meilleurs be-boppers français : Roger Guérin, Hubert Fol, Raymond Fol, Pierre Michelot, Bernard Peiffer, Jean-Louis Viale… Il est toujours à l’avant-garde du jazz.

En 1953, Norman Granz fait part à Django de son désir de l’engager pour les légendaires tournées du Jazz at the Philharmonic. Le producteur français Eddie Barclay lui fait enregistrer 8 titres, en guise de « carte de visite » pour les amateurs américains. Ces 8 morceaux exceptionnels marqueront irrémédiablement les amateurs de jazz et surtout les guitaristes du monde entier, qui s’inspireront des décennies durant du jeu d’un Django très en avance sur son époque.

Django enregistre son dernier disque le 8 avril 1953, avec Martial Solal au piano (c’est un de ses premiers enregistrements), Pierre Michelot à la contrebasse, Fats Sadi Lallemant au vibraphone et Pierre Lemarchand à la batterie. Son interprétation vibrante de Nuages fera dire à certains que le guitariste s’attendait à disparaître d’ici peu. Il mourra un mois plus tard d’une hémorragie cérébrale. Django Reinhardt repose depuis à Samois sur Seine .

Mémoire et influence :

Considéré avec Charlie Christian et Wes Montgomery comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz qui aient jamais existé, Django Reinhardt est aujourd’hui encore une influence majeure pour la plupart des guitaristes à l’instar d’Andrés Segovia ou de Jimi Hendrix dans des styles bien différents. Son style profondément original, entre jazz et musique tzigane, s’est depuis lors développé en un genre musical à part entière, le jazz manouche. Ce style est devenu un véritable folklore pour la communauté Manouche depuis la mort de Django et est aujourd’hui joué partout dans le monde.

Dans le monde des Tziganes, Django Reinhardt est considéré comme un symbole. Comme l’a écrit François Billard : « Django est le héros d’un peuple, celui du peuple Tzigane ». Pour ces gens souvent opprimés, qui ont du faire face à un terrible génocide rarement reconnu et sont aujourd’hui encore victimes de discriminations dans presque tous les pays où ils vivent, Django reste l’ambassadeur d’une culture tzigane bien vivante, entre tradition et modernité.

Parmi les compositions les plus célèbres de Reinhardt, on retient souvent Minor Swing, Nuages, Rhythme Futur, LectureAnouman, Djangology ou encore Douce ambiance.

Ses admirateurs retiendront aussi sa personnalité unique, son insouciance, ses coups de folie et ses coups de génie. Comme l’a déclaré son contrebassiste Louis Vola : « Le génie n’a pas à se justifier : il est ! »

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Stevie Ray Vaughan (SRV), né à Dallas, Texas, USA le 3 octobre 1954.

Si son premier album, « Texas Flood », parait en 1983, il commence sa carrière bien avant en tournant avec son frère, lui aussi guitariste, dans de nombreux clubs texans. Son amour pour le blues et sa dextérité lui valent, après la sortie de son premier album, des critiques excellentes. Il est vrai que son jeu de guitare est unique, digne successeur de Jimi Hendrix dont il repris d’ailleurs fort brillamment le morceau « Little Wing ». La vidéo « Live at the Mocambo » illustre bien toute la maitrise de SRV. Il faut voir aussi le « Live from Austin Texas » enregistré entre 83 et 88.

Comme de nombreuses autres rock-star, il a dû faire face à la drogue et l’alcool. Après un dur combat, il était arrivé à s’extirper de ses dépendances. Il décède le 27 aout 1990 dans un accident d’hélicoptère après un concert en compagnie de gloires du blues à Alpine Valley (était présent ce soir là Eric Clapton).

Il faut rendre hommage aussi a ses musiciens: l’ancien bassiste de Johnny Winter,Tommy Shannon et le batteur Chris Layton Thomas sans lesquels il n’aurait pas eu une section rythmique avec un tel son, si caractéristique .

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Biographie

Joe Pass (Joseph Antony Jacobi Passalaqua) est né le 13 janvier 1929 à Brunswick dans le New jersey (USA). Il est décédé le 23 mai 1994 à Los Angeles, Californie (USA). Il était l’aîné d’une famille de quatre enfants. Il passa sa jeunesse dans le quartier italien de Johnstown (Pennsylvanie). Son père, Mariano Passalaqua, était sidérurgiste. Joe commença à jouer de la guitare à l’âge de 9 ans et prit ses premières leçons avec des amis de son père. Son père l’encouragea vivement quand il vit que Joe passait l’essentiel de son temps libre à travailler l’instrument. A l’âge de 14 ans il jouait déjà pour des mariages et des fêtes de quartier. Le be bop le fascina et à l’âge de 20 ans il se rendit à New York où il put écouter les meilleurs musiciens du moment. Malheureusement, c’est à cette époque qu’il tomba dans l’engrenage de la drogue. Pendant plus de 10 ans, jusqu’au début des années 60, il resta sous l’emprise des drogues. Il fut arrêté plusieurs fois avant d’être admis à Synanon, un centre de désintoxication. Alors qu’il séjournait à Synanon, il enregistra avec un groupe composé de musiciens résidant dans ce centre. Le disque s’intitula « Sounds of Synanon » et quand les critiques de jazz l’entendirent, ils s’extasièrent pour le jeu de guitare de Joe. Son séjour dans ce centre dura 3 ans et à l’issue il repris de pied ferme sa carrière musicale. A sa sortie de Synanon il joua dans la région de Los Angeles avec les meilleurs musiciens et fût engagé comme guitariste de studio. Il participa pendant plus de cinq ans à des séances d’enregistrement jusqu’au jour où Norman Granz (le producteur international de concerts jazz) le persuada de le rejoindre et de signer pour son label Pablo. C’est à cette époque qu’il débuta sa carrière internationale.

Pour le label Pablo, Joe enregistra des albums solo (« For Django », « Virtuoso ») et joua avec différentes formations. On le retrouve notamment au côté de Oscar Peterson, Niels Henning Osted Pedersen, Zoot Sims, Ella Fitzgerald. Son style de guitare est inimitable. Joe a souvent était surnommé le « Art Tatum de de la guitare ». Il est vrai que son jeu de guitare en solo s’apparente certainement à celui du célèbre pianiste.

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